Par RadioTamTam
La musique country gagne en popularité dans le monde entier et certains de ses plus grands fans se trouvent en Afrique. Malgré son association avec la blancheur rurale, il a toujours résonné chez les Africains, probablement en partie parce que le genre est enraciné dans de nombreuses traditions musicales africaines. La musique country a beaucoup emprunté aux sources noires depuis sa création dans les années 1920 - une tendance qui s'est poursuivie au fil des décennies. Mais les efforts pour corriger cela ont gagné du terrain. Des initiatives de base telles que Black Opry, SoulCountry et Country Queer, au succès d'actes voisins du pays tels qu'Allison Russell, il existe un appétit pour réinventer le pays et le reconnecter à ses véritables racines.
L'histoire de la musique country africaine est en grande partie inexplorée. Lorsque vous reconstituez les fragments, une longue et riche relation musicale commence à émerger. Cela commence dans les années 1930, selon l'écrivain Jesse Jarnow, et diffère énormément à travers le continent. Mais en Afrique australe, la graine a été plantée avec le dépistage des westerns pour les travailleurs des villes minières coloniales. Les cow-boys chanteurs sont arrivés plus tard, leurs chansons devenant rapidement un incontournable de la radio aux côtés de Jimmie Rodgers, la première star de la musique country.
Il y a plusieurs années, la fascination autour de ce fil était peut-être une curiosité fugace, mais l’affiche Twitter était avisée au timing. Le pays est à nouveau cool. Les chiffres du streaming aux États-Unis et dans le monde ont augmenté de 50% au cours des deux dernières années, et c’est le genre qui connaît la croissance la plus rapide au Royaume-Uni sur les plateformes de streaming. Le pays est également devenu un sujet de discussion culturel alors que nous explorons les tensions entre l’image soigneusement construite de la blancheur du genre et la diversité et la complexité de son histoire longtemps cachée.
La musique country a beaucoup emprunté aux sources noires depuis sa création dans les années 1920 – un modèle qui s’est poursuivi pendant des décennies. Mais les efforts pour corriger cela ont gagné du terrain. Des initiatives populaires telles que Black Opry, SoulCountry et Country Queer, au succès d’artistes adjacents au pays tels qu’Allison Russell, il y a un appétit pour réinventer le pays et le reconnecter à ses véritables racines.
Pourquoi, alors, l’idée d’un pays africain est-elle encore une surprise ? « Mais je visiterais l’Afrique pour fuir la musique country ! », pouvait-on lire dans une réponse aux messages. Dans une récente interview que j’ai menée sur NTS Radio, l’historienne de la musique Uchenna Ikonne a discuté des réactions à sa compilation de 2017 du pays nigérian comme Nashville à Naija. « Avoir ces ballades saccharines et sentimentales qui sortent du Nigeria est quelque chose que les gens n’attendent pas », a-t-il déclaré. « Quand les gens pensent à la musique africaine, ils pensent généralement à des polyrythmes chauds », pas à des « mélodies sappy ». Ou le funk politique de Fela Kuti, pas le croon conservateur de Conway Twitty.
Cette incongruité perçue sous-tend l’excitation que beaucoup ont trouvée dans les vidéos. Lorsque les croyances sur la culture, la race et la musique sont enracinées, il y a une joie à voir les liens cachés entre eux révélés, contestés et remixés. Il y avait aussi de la frustration, en particulier chez ceux qui connaissaient déjà bien cette association culturelle : certaines discussions semblaient réduire la complexité des vidéos à des stéréotypes, comme s’émerveiller devant la danse.
L’histoire de la musique country africaine est largement inexplorée. Lorsque vous reconstituez les fragments, une relation musicale longue et riche commence à émerger. Il commence dans les années 1930, selon l’écrivain Jesse Jarnow, et diffère énormément à travers le continent. Mais en Afrique australe, la graine a été plantée avec le filtrage des occidentaux pour les travailleurs dans les villes minières coloniales. Les cow-boys chanteurs sont arrivés plus tard, leurs chansons devenant rapidement un incontournable de la radio aux côtés de Jimmie Rodgers, la première star de la musique country.
Dans les années 1940 et 50, alors que les soldats africains revenaient de la Seconde Guerre mondiale et que la radio locale et les maisons de disques décollaient, sont apparus les premiers enregistrements de musique africaine influencée par la country. Bulawayo Blue Yodel, une collection récente, compile certains des disques les plus frappants de l’époque, offrant la preuve que le pays a été en dialogue avec la musique africaine plus ou moins depuis ses débuts commerciaux aux États-Unis. Les motifs de cow-boy et les empreintes de Rodgers et de la famille Carter sont évidents dans des chansons telles que Ekhaya de George Sibanda ou le yodelling de Matthew « the Central African Cowboy » Jeffries.
Il y a des spéculations selon lesquelles le pays a été adopté parce qu’il chevauchait certains courants de la musique africaine – la musique shona du Zimbabwe a longtemps contenu le yodelling de style indigène (huro), par exemple. Ce qui est plus clair, c’est que le pays a touché une corde sensible dans certaines parties de l’Afrique à une époque de changement social majeur alors que les gens se déplaçaient des zones rurales vers les villes. Il y a des parallèles avec la montée du genre aux États-Unis, comme l’a dit l’ethnomusicologue Aaron Fox : « La musique country naît lorsque la country devient une idée nostalgique. » Les histoires de folklore rural en lutte dans la ville peuvent être trouvées dans la musique des années 50 du chanteur zambien Alick Nkhata, aussi souvent que les ballades contemporaines de Dusty et Stones, d’Eswatini.
Mais le genre a également fait de nombreux rebondissements idiosyncrasiques et imprévisibles alors qu’il se frayait un chemin à travers le continent. Même dans les premières années, le pays s’est mélangé avec des influences locales et s’est développé dans ce que l’ethnomusicologue Tom Turino a appelé de nouveaux « styles de pratique courante ». Plus tard, selon Uchenna Ikonne, le pays chrétien et lisse de Jim Reeves était considéré comme une musique « cérébrale » ou « caressant le menton ». Il a inspiré des sons délicieux, bien qu’improbables: le country-disco d’Emma Ogosi et Oby Onyioha, et l’électro-funk de Willian Onyeabor. Regardez de plus près et vous trouverez des traces de pays allant du vin de palme ouest-africain aux musiques zimbabwéennes chimurenga. Beaucoup seront peut-être surpris d’apprendre que le pays a également été un véhicule pour les sentiments politiques et progressistes dans toute l’Afrique. De la musique de résistance d’avant l’indépendance faite dans les camps miniers zambiens, au country-rock des musiciens et activistes ivoiriens Jess Sah Bi et Peter One – et Ogosi a enfilé un chapeau de cow-boy tout en chantant Slave Drivers (Get Out).
Pour de nombreuses personnes à travers la diaspora, le pays africain peut sembler surprenant, mais en quelque sorte familier – faisant allusion, en y regardant de plus près, à quelque chose qui a toujours été là mais qui était juste hors de vue. Il peut y avoir beaucoup de Britanniques noirs d’origine africaine ou caribéenne (ou, comme moi, les deux) pour qui cela remue les souvenirs d’un grand-parent, ou met en lumière la façon dont ils ont été subtilement imprégnés de pays depuis leur plus jeune âge.
J’ai découvert que la musique country traverse profondément les générations de ma famille – que ce n’est pas seulement une histoire américaine, mais une conversation entre les Amériques, l’Afrique et l’Europe qui résonne à travers le temps. C’est là dans la préférence de mon père pour le country-rock doux des Eagles ou le folk contemplatif de Paul Simon par rapport à la lascivité indulgente souvent associée au rock des années 70, et dans la musique de vin de palme de SE Rogie, de son pays d’origine, la Sierra Leone, qui a été inspiré par Jimmie Rodgers. J’en entends des nuances dans mon propre penchant pour la musique sentimentale ou nostalgique aujourd’hui.
De mon côté jamaïcain, il s’est infiltré dans la culture via un amour des westerns, de la radio country et de ce que le critique Lloyd Bradley a appelé la « reggaefication » du recueil de chansons country (avec des sons country empruntant des sons à la Jamaïque, aussi). Mais cela a pris une importance supplémentaire pour la génération Windrush. Jim Reeves et Tennessee Ernie Ford étaient la bande originale du dimanche pour des gens comme mes grands-parents, qui ont déménagé au Royaume-Uni dans les années 50. Le riche baryton de Reeves est gravé partout dans les souvenirs de mes oncles; ma grand-mère « jouait ses chansons tous les dimanches et tout noël ». Sa musique a résonné en raison de ses thèmes chrétiens, mais elle a également puisé dans un sentiment d’aliénation culturelle ressenti par de nombreux membres de la communauté antillaise au Royaume-Uni. Des chansons telles que Across the Bridge et This World Is Not My Home font mal à une maison laissée derrière ou promettent une meilleure maison qui attend. C’est un thème durable, de la reprise émouvante de Take Me Home, Country Roads, de Toots and the Maytals, au classique dancehall de Yellowman, Jamaica Nice : « London cold, Jamaica nice / Country roads, take me home. »
Nous voyons des exemples plus dispersés mais significatifs du lien du pays avec la culture britannique noire – la série de films Small Axe de Steve McQueen a donné au pays un rôle notable dans le troisième épisode, Rouge, Blanc et Bleu. Mais il y a encore tellement d’histoire qui mérite d’être revisitée. Je sentais souvent la légère résistance de mes oncles à l’idée que le pays faisait partie de leur patrimoine. En regardant en arrière sur la musique de leur jeunesse des années 70, le pays peut sembler trop conservateur, trop blanc, comparé aux chansons de résistance à l’indépendance post-jamaïcaines de leur jeunesse des années 70, comme 007 de Desmond Dekker (Shanty Town). Ils préféreront peut-être se souvenir des disques de Nat King Cole que mon grand-père a joués que Reeves.
Je pourrais contrer cela en soulignant les manifestations les plus rebelles du pays dans la culture jamaïcaine. Le film culte The They Come regorge de références au western spaghetti, et avec la légende du reggae Jimmy Cliff à la tête du film et de sa bande originale, ce n’est pas vraiment un saut de voir son personnage de cow-boy chantant avec une touche jamaïcaine. Ou que des stars du reggae connues pour leurs chansons de résistance, comme Toots Hibbert ou Jimmy Cliff, ont également joué avec des influences country. Mais je pense qu’il est tout aussi important de se rappeler le rôle que même le pays lisse de Jim Reeves a joué pour donner un sentiment d’espoir dans un nouveau monde hostile et peu accueillant. Quand Reeves est mort, mon oncle Junior s’est souvenu, c’était comme « une mort dans la famille. C’est à quel point ma mère l’aimait. »
L’histoire du pays africain est fascinante et complexe. Ce fil Twitter l’a amené dans le courant dominant, quelque chose que des efforts plus nuancés ont eu du mal à faire. Les médias sociaux ont une façon de montrer les tensions et les complications d’une histoire comme celle-ci avec une immédiateté qui traverse. Mais cela peut aussi les condenser d’une manière qui les dépouille de leur richesse et des expériences des personnes vivant avec la musique. Dans un monde médiatisé par les médias sociaux qui fait voyager rapidement les connexions déracinées, je suis nostalgique d’un monde qui pourrait donner de la place à la délicate réalité de l’expression musicale et de ses résonances culturelles, plutôt que de les réduire à des images surprenantes.
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